Hola a todos, bienvenidos a In Your Own Times nuevamente. El día de ayer hacíamos un análisis del quinto trabajo de Panic! At the Disco. Hoy es 31 de Octubre, así que reza por los malvados, porque vamos a continuar con el análisis de su sexto álbum. Ayer lo dije, para que no vayas todo despistado a verlos y no conozcas sus dos magnificos últimos trabajos.
Pray For The Wicked (2018)
Portada del álbum
La culpa de que este álbum exista es la participación de Brendon Urie en Broadway, en un musical llamado Kinkky Boots. Manejamos el mismo estilo del album anterior, un poco más suave, oculto tras un sonido house y funk bastante fresco, con el rock alternativo y una linea de power pop bastante marcada.
Destaca de los demás trabajos por el hecho de ser compuesto, grabado y producido totalmente por Brendon, en una encrucijada entre hacerlo un álbum solista, o de Panic! At the Disco, donde es el unico miembro oficial, tras la salida de Dallon Weekes y Spencer Smith (el segundo salió más por cuestiones de salud y alcoholismo).
Fue lanzado el 22 de Junio, llegando directamente a la cima de la Billboard 200, donde se enlistan los más vendidos de esa semana. Un récord impresionante, y no es para menos. No suena como un álbum pretencioso que intenta hacer cosas que no sabe hacer (y que no le quedan). Es como si uniérmos elementos de su primer, tercer y cuarto álbum, e hiciéramos una continuación del quinto. Las trompetas y sax se encuentran presentes, en un ritmo festivo, con sintetizadores que complementan, terminando en un trabajo impresionante, tan impresionante como Death Of A Bachelor. Brendon bien podría montar su propio musical en Broadway. Tanto por el título como por el hecho anterior, nuestra mente remonta (aunque no se le relaciona con nada) al musical Wicked.
Las mejores del álbum
Para este menester, solo tendremos la sección de las mejores, porque el álbum es increíblemente bueno como para hacer una sección de malas canciones o las menos mejores. Vamos a empezar, en orden, como siempre.
(Fuck A) Silver Lining comienza con un interludio, como al final de Hurricane, procediendo al inicio arrasador. Podría ser la tercera mejor canción del álbum. Es increíble, con un ritmo fiestero, con las percusiones como principales protagonistas, y Brendon divirtiéndose como siempre.
Say Amen (Saturday Night) llama la atención por su letra, influenciada por la crianza religiosa de Brendon, repleta de instrumentos de viento, totalmente una fusión de jazz con pop, acompañada de un ambiente progresivo.
Hey Look Ma, I Made It comienza con una atmósfera house, que envuelve a la canción y los instrumentos, con tintes funk durante el coro, maravillando al oído y deleitándonos con una voz bien manejada, acompañada en ciertos momentos, de una base de trap. Cuarta mejor cancion del álbum.
Una escena del videoclip de High Hopes
High Hopes nos trae una reminiscencia a la banda Fun. y su álbum Some Nights, muy especialmente a la canción Stars, manejando arreglos de cuerdas similares, con una energía similar y espectacular, explosiva y en un rango altisimo de voz. Segunda canción del album, y una de las pocas líneas de pop barroco que contiene el álbum.
Una de las reminiscencias del álbum es la banda Fun., en esta ocasion, en el pop barroco manejado en el álbum Some Nights.
Roaring 20s es una canción de jazz fusión con elementos sintéticos, con un ritmo que, bien, podría manejar Beyoncé. Durante el bridge se presenta uno de los clímax del álbum, donde los sonidos bajan y hacen un ascenso increíble. Un temazo.
The Overpass llega en un momento típico del álbum, donde la epicidad disminuye un poco y todo se vuelve un poco más relajado. Una canción R&B, con tenues arreglos funk con la guitarra, pero con acompañamientos de jazz, que a final de cuentas, es una canción pop. Los coros, los arreglos de guitarra y la combinación de géneros la hacen llegar hasta aquí.
King Of The Clouds es una canción relajada, en comparación del resto del álbum, y a comparación del resto, encaja en el pop barroco, soportada por sonidos orquestales, fuertes arreglos de cuerdas y, en algún punto, un teclado antiguo.
Cerramos el álbum con la mejor canción del álbum. Dying in LA es la continuacion de LA Devotee, en donde Brendon canta a una faceta oculta de la ciudad de Los Ángeles, ciudad de la cual se enamoró. Un final con piano, sin ser jazz, como el final de Death Of A Bachelor. Arreglos de cuerdas soportan a la voz de Brendon, que llega a sus agudos como en sus primeros tres trabajos, con un timbre que hace sentir a uno en un sueño etéreo, mientas Brendon se sienta en el piano. Similar a Always del álbum Vices & Virtues, reemplazando la guitarra acústica por un piano. El mejor final que pudieron darle a un álbum más que perfecto.
Debido a la ausencia total de canciones de mero relleno, a la fusión de géneros y al grado de epicidad de este álbum, aunado al trabajo en la voz de Brendon, evidente después de tres arduos años desde el álbum anterior y a la reminiscencia a los años cuarentas, los múltiples clímax alcanzados y al corazón puesto en cada canción, la calificación no podría ser otra.
La banda se presentará en el Corona Capital 2018, el día Sábado 17 de Noviembre, con Robbie Williams, Lorde, The Chemical Brothers, Bastille y The Kooks como headliners.
Estaremos hablando de varios de los artistas y bandas del cartel a lo largo de las próximas semanas. No se los pierdan. Debido a un bloqueo creativo, no había podido hacer esta reseña. El borrador estaba guardado desde la semana de lanzamiento. Una disculpa.
Que tengan feliz Halloween y recen por los malvados.
Hola mi querido timer, bienvenido una vez más a In Your Own Times. Estas semanas haremos un repaso por algunas de las bandas que se presentarán en el festival de música más importante y más esperado de México: el Corona Capital 2018. Cierto es que muchos festivales le pisaron los talones, entre ellos el Live Out, Coordenada y Pa'l Norte, pero terminó sobresaliendo por varios de sus headliners. A pesar de que no figura como uno, Panic! At the Disco es uno de los imperdibles en esta ocasión. Vamos a comenzar con un repaso de sus últimos dos álbums, para que no llegues desubicado, sin saber nada de ellos desde Pretty.Odd.
Panic! At the Disco, más esplendorosos que nunca
Lo que convierte a Panic! At the Disco en un imperdible fantástico se basa en dos premisas principales:
su género predominante es el pop barroco, con tintes de pop rock y power pop.
Brendon Urie ha desarrollado su voz a niveles que no habíamos visto en los primeros tres álbums, abrazando su voz y su talento de una manera única, mostrando sus graves y sus agudos en niveles estratosféricos y tan profundos que tocarán tu corazón.
Por ello, daremos gala de lo hermosos y exquisitos que son sus últimos dos trabajos.
Death of a Bachelor (2015)
Too Weird To Live, Too Rare To Die fue un álbum diferente a todo lo escuchado antes. Pueba de ello es la ausencia (casi) total de sus elementos barrocos, mostrando un rostro más electrónico a lo esperado. No fue el álbum favorito de muchos de nosotros debido al innecesario uso de auto tune en la voz de Brendon. Sin embargo, en 2015 llegaron con un rostro totalmente nuevo. La aparente fusión del cuarto álbum con Vices & Virtues no se hizo esperar. Lo primero que pensamos al escuchar este hermoso álbum fue que tiene un inicio arrasador, y que Brendon encontró su verdadera voz. La atmósfera cabaretera parisina combinada con varios musicales de Broadway nos muestra que para Brendon y Dallon Weekes no hubo límites. Es esa voz explosiva e impresionante, y esos elementos propios de Queen y Frank Sinatra, con los arrasadores elementos del power pop lo que convierte a este álbum en el mejor de la banda.
No podría nombrar una sola canción del álbum que no sea buena. Todas ofrecen elementos que las hacen únicas, pero algunas de ellas son mis favoritas.
Mis favoritas
Victorious, el inicio arrasador, similar a Nearly Witches, con un plus y tenues elementos funk presentes. Un aire de festejo y arreglos musicales, con coros de fondo simplemente espectacular.
Don't Threaten Me With a Good Time, le hace los honores a Queen con múltiples coros propios de sus momentos de gloria. Un temazo.
Death Of A Bachelor debe ser la mejor canción del álbum, donde la voz de Brendon juega el papel principal, brillando en todo su esplendor. Combina elementos electrónicos con blues y tintes de jazz, y una base de trap, en una fusión magnífica que resonará todo el día en el interior de tu cabeza.
Crazy=Genius maneja una línea de jazz brillante y vibrante, algo que ya habíamos escuchado en su canción con el título más largo, en el 2005 (There's a Good Reason These Tables Are Numbered Honey, You Just Haven't Thought of It Yet), igualmente con coros, una voz que juega con su talento y redobles de batería que manejan un tempo presto.
LA Devotee brilla con ese power pop que muchos amamos, con gravez y agudos que juegan, formando una rica combinación, acompañados por tenues elementos swing y un ritmo pegadizo.
Golden Days es la canción pop punk del álbum. Sus arreglos de guitarra eléctrica son espectaculares, con una voz desgarradora y toques electrónicos como meros acompañantes, teniendo su clímax en el coro, donde las emociones son máximas y el vello se eriza en un punto altísimo.
The Good, The Bad And The Dirty nos trae una reminiscencia inmediata de Miss Jackson del álbum anterior, insertando elementos propios del jazz y del R&B. Funcionan perfecto, aunque sus casi tres minutos de duración no sean suficientes para compensar la epicidad de esta rola.
House Of Memories e Impossible Year dan un digno final al álbum. La primera con un ritmo vivaz y nostálgico, ritmo fiestero y Brendon divirtiéndose con su entonación. La segunda con su sonido blues con un aire triunfal, con Brendon en el piano, mostrándonos que el talento es innato, pero que la práctica ayuda a desenterrarlo y a dar lo mejor de él.
Este álbum, ya lo dije anteriormente, es el mejor de la banda. Debido a su fusión constante de géneros contemporáneos con géneros anteriores, la instrumentación, los juegos de voz de Brendon y la atmósfera presente le otorgan esta calificación.
Natalia Lafourcade en 2017, promocionando Musas Vol. I
Hola mis queridos timers,
bienvenidos una vez más a In Your Own Times. Es época de mundial, donde podemos
sentirnos orgullosos de nuestra selección de fútbol, de nuestra gente y de
nuestros colores. Podemos mostrar al mundo lo mejor de nosotros, y desgraciadamente
también lo peor. Pero dejemos de lado los aspectos negativos, pues tenemos más
cosas por las cuales sentirnos orgullosos. Los colores y sabores de nuestra
gastronomía, nuestros paisajes, nuestros pueblos y la esencia indígena presente
en cada rincón de nuestro país. Nuestra rica herencia cultural, fusión
precolombina y resplandeciente reflejo del choque de un sinfín de pueblos.
El día de hoy traigo a una de las
figuras actuales de nuestro país. De la Ciudad de México a Coatepec, Veracruz,
y de Coatepec para el mundo. Ella es Natalia Lafourcade, la mexicana hermosa.
Natalia Lafourcade: de Coatepec para el Mundo
Ella se ha encargado de llevar al
mundo un poco de nuestro folklore,presente en muchas de sus últimas composiciones. Antes habíamos
escuchado de ella, pues tenía una banda, Natalia y La Forquetina, bastante
indie, pero desde el 2010 se ha consolidado en distintos géneros, sonoros,
tropicales, latinos. Le ha puesto sabor a la música mexicana, inclusive más del
que ya gozaba anteriormente con sus clásicos boleros y sonidos regionales.
Con Hasta la Raíz se encargó de
darse a conocer al mundo entero, arrasando con escenarios abarrotados a lo
largo y ancho del mundo, y presentándose en prestigiosas entregas de premios, como los Premios Oscar de este año, ataviada con un hermoso vestido rojo y un peinado a lo Frida Kahlo. Siguiendo el camino de Lila Downs, Julieta Venegas y
Chavela Vargas, que anteriormente llevaran al resto del orbe la esencia musical
mexicana entre acordes y el sabor de nuestro país, entre sones y mariachis,
entre magentas y ultamares, ocres y rojos oxidados, bermellones y alboradas.
Natalia se ha consolidado entre
el cariño del público de todo México, especialmente entre la juventud, llevando
las sonoras orquestas y boleros de nuestros abuelos, propias de época dorada
del cine mexicano, a nuevos oídos, apropiándose de las juventudes que la han
seguido fielmente con los pies bien puestos sobre la tierra, como ella dice,
hasta la raíz.
Musas: Un Homenaje al Folclore Latinoamericano, en manos de Los Macorinos
Especialmente hablaremos de
Musas, un álbum delicioso, palpable, sonoro. Un homenaje al folclore
latinoamericano. Un álbum excepcional. En compañía de Los Macorinos, un
guitarrista mexicano, y otro venido desde las pampas de Argentina. Ellos se
encargan de rasguear entre acordes acústicos y llenar de magia y misticismo la
voz inmaculada y áurea de Natalia, quien rinde homenaje a personajes de Chile, Venezuela,
Cuba, Estados Unidos, y de mi Patria querida, México.
En doce canciones, cinco de su
autoría y siete homenajes a Violeta Parra, de tierras chilenas-, Simón Díaz, de
las selvas araguas venezolanas; a Frank Domínguez, fusionando su voz con la de
Omara Portuondo, la novia del feeling, de la isla de Cuba; y Harry Warren, de
tierras neoyorkinas. De tierras mexas, hace honores al veracruzano Agustín
Lara, el tamaulipeco Roberto Cantoral y el mexiquense Felipe Villanueva.
Entre sus composiciones para el
álbum hacemos un inicio triunfal con Tú
Si Sabes Quererme, con un ritmo festivo y cargado del gozo que caracteriza
a Latinoamérica, con una voz que enamora a primer oído a cualquiera. Una letra
amorosa y atrevida acompaña a esta fusión étnica de ritmos, armonías y sonidos.
Una verdadera joya.
Soledad y el mar nos recuerda al trío Los Panchos y su náutico y
costero sonido hipnotiza, llevándonos de la mano a una íntima tarde en la
playa. Es un auténtico bolero, excelentemente ejecutado en las guitarras y en
los ecos, los violines y la hipnótica voz. Una belleza para gozar y aplaudir
hasta que las manos se rompan.
Mexicana Hermosa es una canción mexicana en su totalidad. La letra
es bella, recordándonos que podemos salir adelante de cualquier situación, por
más gris que sea. Expresa la belleza de nuestro país, de su gente, de los
colores de nuestro lábaro patrio, nuestra herencia tequitqui, nuestro colorido
y festivo pueblo, nuestra pasión adondequiera que nos encontremos. Nos hace
sentir a México en la sangre y en nuestras raíces en cualquier lugar en que nos
encontremos. Sin duda, Natalia ha sacado todo el amor que siente por México y
lo ha plasmado bellamente. Una versión en mariachi con Carlos Rivera se
encuentra en circulación, al igual que la versión Ciudad Hermosa, compuesta para la Ciudad de México, la Ciudad de
los Palacios.
Rocío de Todos los Campos es su cuarta composición para el álbum,
manifestando un aire nostálgico y lento, una expresión íntima, un diálogo entre
Natalia y la Luna, con la noche envolvente. La voz de Lafourcade luce hermosa
en su máxima expresión, cantando de amores y amantes en los callejones de algún
rincón de México. Un diamante que ninguna piedra preciosa igualará su valor.
Coatepec, Veracruz, probable fuente de inspiración para la canción Mi Tierra Veracruzana
La última de sus creaciones se
titula Mi Tierra Veracruzana, donde le canta
al Veracruz que la vio crecer. Impacta en los colores de sus frutas, sus
pueblos, los paisajes, el dulce aroma del café y el reverdecer de la selva
majestuosa, la tranquilidad de sus senderos y la dulzura de su gente. Un son
jarocho parece adueñarse de lo que sería la mejor canción del álbum. Los
instrumentos suenan tan majestuosos y juegan ricamente con Natalia, quien suena
contenta y con su voz conquista a todo quien busque gozar de su música. Sin
duda, mi favorita del álbum.
La lista de canciones es la
siguiente:
1. Tú sí sabes quererme (En manos de Los
Macorinos) (4:04)
(Autor: Natalia Lafourcade)
2. Soledad y el mar (En manos de Los
Macorinos) (3:34)
(Autor: Natalia Lafourcade/David Aguilar)
3. Mexicana hermosa (En manos de Los
Macorinos) (3:29)
(Autor: Natalia Lafourcade/Gustavo
Guerrero)
4. Qué he sacado con quererte (En manos de
Los Macorinos) (4:25)
(Autor: Violeta Parra)
5. Rocío de todos los campos (En manos de
Los Macorinos) (4:48)
(Autor: Natalia Lafourcade)
6. Mi tierra veracruzana (En manos de Los
Macorinos) (3:45)
(Autor: Natalia Lafourcade)
7. Te ví pasar (En manos de Los Macorinos)
(2:38)
(Autor: Agustín Lara)
8. Son amores (That’s amore) (En manos de
Los Macorinos) (3:44)
(Autor: Harry Warren/Jack Brooks)
9. Tú me acostumbraste (En manos de Los
Macorinos) – con Omara Portuondo (3:08)
(Autor: Frank Domínguez)
10. Soy lo prohibido (En manos de Los
Macorinos) (3:43)
(Autor: Roberto Cantoral)
11. Tonada de luna llena (En manos de Los
Macorinos) (5:00)
(Autor: Simón Díaz)
12. Vals poético [Instrumental] (En manos
de Los Macorinos) (3:18)
(Autor: Felipe Villanueva)
La puntuación de este álbum no
podría ser otra, que la que merece un álbum hecho con el corazón y con el alma.
Bellamente trabajado e íntimamente compuesto. Uno de los pocos álbumes que refleja una esencia impresionantemente arrasadora. Un orgullo de México para el mundo. Una de las tantas muestras de que cuando abrazas tu talento, sin hacerlo chiquito, puedes lograr cosas grandes.
Esto ha sido todo por el día de
hoy. Si te ha gustado, comparte con todos tus amigos y en todas tus redes
sociales. Nos leemos la próxima. Que tengas excelente tarde y te deseo lo
mejor.
Hola mis queridos timers, bienvenidos a este, su espacio. Estoy de vuelta después de una tormenta de ideas que no me dejaban dormir y un bloqueo creativo que, considero, es el más largo que he tenido. Hay mucha música nueva y vieja sobre la cual escribir, pues ha pasado ya un tiempo desde la última vez que nos leímos, y espero, podamos tener un diálogo sentados en cualquier lugar desde el que me estés leyendo, pues para mí de esto se trata In Your Own Times.
José Madero, el vocalista de Panda, una de mis bandas favoritas, encontró un camino como solista mientras la banda se encuentra en un hiatus indefinido. Esto me entristeció bastante hace dos años que tomaron su descanso, pero encontrar a Pepe cantando desde el corazón me ha sorprendido bastante, igual que en cada nueva canción que Panda incluía en sus álbumes. A partir de entonces ha lanzado tres álbumes en solitario: Carmesí (2016), Noche (2017) y Alba (2018). Cada uno con una faceta diferente para mostrar a todos los adeptos a su música. En este post nos centraremos en Carmesí, que es el álbum que más me ha gustado.
Carmesí, el rojo de la sangre de un alma que no acaba de sanar
Portada del álbum en edición estándar
Todos hemos pasado por una decepción, un suceso que ha hecho que dejemos de sonreir, una ruptura amorosa, extrañado a una persona que ya no regresará, una amistad deshecha y un mes de noches atormentadoras donde no encontramos la salida a algún problema. Carmesí contiene todas y cada una de estas situaciones, y sabe reflejarlas con la seriedad, la tristeza y la carga emocional que conllevan. Es una herida abierta que no para de sangrar, y no lo hará hasta que lleguemos al Alba. Cada canción en el repertorio es diferente de la otra, y aunque no contenemos grandes riffs, distorsionadas guitarras eléctricas, podemos darnos una idea del sonido al escuchar el Panda MTV Unplugged. Los sonidos acústicos, las percusiones, los coros que aúllan en soledad fúnebre, los juegos de flautas con reminiscencia celta y el folk abundan y predominan en casi todas las composiciones incluidas en sus cincuenta minutos de duración. Gozamos de pianos y órganos, pequeños momentos dulces y breves ratos de una sensación de alegría, antes de que continuemos por la oscura senda de la recrudecida situación sin fin, donde el consuelo no llega de ningún lado. Es por ello que cargamos con el ukelele a todos lados, pues su sonido se asegura de endulzar un poco el hecho de no poder continuar.
Las mejores del álbum
Lo haremos en orden de aparición en la lista de canciones, así que empecemos con esta difícil sección.
Lunes 28 es una continuación de lo escuchado en canciones como Lascivamente, Procedimientos para llegar a un común acuerdo, Que tu cama sea mi hogar y Las mil y una camas. Lo particular y lo que hace que sea especial es el intro, donde Pepe canta con un coro de voces al fondo, en motivo de desolación. La tercer mejor canción del álbum.
Literatura Rusa está totalmente aderezada con pianos y órganos al fondo, recordando en algunos aspectos a Keane, fácilmente detectable la influencia de James Blunt, coronando con algunos arreglos tenues de guitarra eléctrica, logrando una magnifica canción.
Plural siendo singular resulta en una reminiscencia a Sistema Sanguíneo Fallido, en cuanto a las percusiones y el ukelele que las acompaña, con dos tonos menos de intensidad. Su sonido folk es lo más destacable, y es una de las canciones más tranquilas del álbum.
Entre comillas llega como la luz esperanzadora a mitad de la tormenta con arreglos de flauta irlandesa, armoniosamente acompañada por la guitarra eléctrica, pero narrando la historia de un hombre asesinado por su mujer, mientras él le narra lo mucho que la quería, y que no podrá hacer nada para recuperar ese amor. Un punto muy fuerte del álbum.
Abril posee una progresión de piano y batería bastante buena, con múltiples espacios a capella, hablando de tener una conversación civilizada, sin necesidad de matarse entre ellos, y haciendo que sus corazones vuelvan a sentir después de todo lo malo que sucedió en Abril.
Personalmente agregaré Teo, el gato persa rinde su declaración, pues es para mí la segunda mejor canción del álbum. Suena animada y alegre, tan traviesa como un gato tras una bola de estambre. Los arreglos de flauta, muy a la James Horner son de lo mejor, pero la letra es triste. Teo no volverá a ver al novio de su dueña, pues el amor entre ellos se acabó, y él ya no regresará a visitarlo nunca, mientras se pregunta dónde está y su dueña llora todas las noches. Magnífica.
Puerto Partida (soy un cobarde) se podría convertir en una de tus canciones favoritas, mientras te desahogas de que ya no estará más contigo, pero brillará con más intensidad en el cielo de alguien más, y el capitán del barco donde vas trata de animarte de que llores lo que pasó, mas no lo que viene. Me recuerda a algunas canciones de John Mayer y Ed Sheeran, con influencias palpables de The Cab. Un temazo, y la mejor canción del álbum.
Sinmigo posee unaletra es similar aBella en mi cabeza para siempre, donde él sabe que ella ya no lo ama, pero no necesita de su presencia para amarla, y guarda su lugar por si decide volver. Desgarradora.
La última de esta lista es ¿A poco no?, una pequeña joya dentro de una especie de intento por olvidar que alguna vez alguien fue la razón para vivir, pero se fue y ya quiere olvidar, pero es innegable que no lo ha hecho, recordando que sus corazones estuvieron atados, y todas las cosas que le gustan no están en nadie más.
Después de este análisis de letras, tragedias, música, instrumentos celtas, pianos y secciones de ukelele y cuatro cuerdas, podemos llegar a la siguiente calificacion:
Bien, esto fue todo en este post. Si te ha gustado, no olvides comentar en la parte de abajo y compartirme en todas tus redes sociales. Soy Evan Carter, y esto fue In Your Own Times. Te deseo lo mejor.
Un fragmento del video #2 de A Sky Full of Stars, más bellamente trabajado que el finalmente lanzado.
Hola mi querido timer, bienvenido a una emisión más de In Your Own Times. En este post abordaremos un tema de gran controversia, y estamos hablando de las mejores canciones de Coldplay después del gran último álbum que lanzaron, que fue Viva la Vida or Death and All His Friends.
Cuando hablamos de "gran controversia" me refiero a su repentino e inesperado cambio de estilo, las colaboraciones que no debieron ocurrir, las canciones que no debieron componerse y los coloridos conciertos alrededor del mundo, la cancelación del Mylo Xyloto Tour por latinoamérica en el 2012-2013, y el divorcio de Chris Martin, la explosión del mainstream y el electropop, las grandes divas y ese séptimo álbum, un balde de agua fría para los fans más acérrimos. A pesar de eso tenemos excelentes canciones, que muchos fans se encargaron de elegir como las mejores de esta segunda etapa de la banda.
Como no tendremos noticias de nueva música de su parte hasta el 2020, haremos un recuento de lo mejor. Gracias nuevamente a Coldplay Moving to Mars y todos sus miembros por votar. Por algo es el mejor grupo de Facebook en cuanto a fans de la banda se refiere.
10. Up With the Birds del Mylo Xyloto (2011)
Una de las más queridas por los fans de todo el mundo, sirviendo de influencia a Paramore en la composición de su canción Daydreaming. Es la canción que da cierre al álbum. Previamente Coldplay había experimentado con el shoegaze y el dream pop. Este último es evidente a lo largo de la canción, como una especie de atmósfera onírica, tranquila y relajante. En sus 3:45 minutos se encarga de quitar el amargo sabor de boca que pudo -y más que probablemente experimentó- el oyente. No necesita de grandes riffs ni grandilocuentes ostinatos de piano. Una atmósfera increíble, una guitarra y un sencillo arreglo de piano son suficientes. Lugar 10.
9. Ink del Ghost Stories (2014)
-Will, tocarás la canción con la batería eléctrica y punto.
-Ño.
Coldplay, A Head Full of Dreams Tour en latinoamérica, 2016.
Para tocarla en esta zona, Will Champion mandó al carajo la batería eléctrica y tocó la canción con un cajón peruano. Los fans la eligieron probablemente porque les dolería como hacerse un tatuaje si no aparecía aquí. Es la tercer canción del álbum, bellamente compuesta con toques electrónicos. Es destellante, hermosa y una de mis favoritas canciones en vivo de la banda. La versión del Live 2014 en Le Casino de Paris es probablemente mejor que la versión de estudio. Demasiado nocturna, igualmente sin grandilocuencias ni sobreproducciones. Una bella canción y nada más. Lugar 9.
8. A Sky Full of Stars del Ghost Stories (2014)
A comparación de sus ganchos comerciales anteriores, ésta es house, algo nunca antes experimentado en la banda, y eso es gracias a la producción de Avicii. Muchos podrán hablar mal de él, pero además de DJ también es compositor y toca el piano y la guitarra. Según Chris Martin, él aportó el piano de la canción, y por eso sintió que había traicionado a la banda. Incluye ese sonido característico en las canciones de Avicii y está acompañada por una guitarra electroacústica. Esta canción es toda una fiesta armada en un velorio, y probablemente no encaja del todo en este álbum. Pegó con todo en las radios de todo el mundo, y una legión de remixes fueron realizados. Sin duda, una de las canciones que harán que todo el mundo se levante de sus asientos. Nadie sabe cómo se coló en el top 10, pero aquí está, y estoy muy felíz por ello. Lugar 8.
7. Oceans del Ghost Stories (2014)
Quienes escucharon el Parachutes concordarán que esta canción es una reminiscencia total del Parachutes. Es semejante a Careful Where You Stand y We Never Change, con unos toques electrónicos al fondo. Es como traer esas canciones al futuro, para darle gusto a los jóvenes y a los acérrimos. Musicalmente tiene una tonada muy triste, un sonido metrónomo de fondo, una sección de cuerdas y un interludio que, al terminar da inicio a la canción de arriba. Casualmente es la séptima canción en el álbum. Conociendo a los fans de años, no podía quedar fuera, pero tampoco la esperaba en un lugar tan bajo del top. Esta canción es una de las grandes composiciones atemporales de la banda, una joya, un temazo. Lugar 7.
6. Us Against The World del Mylo Xyloto (2011)
Una canción memorable y una de las favoritas de todo el mundo. Tampoco me sorprende encontrarla aquí. Es la quinta canción del álbum. Cuenta con una guitarra acústica, una eléctrica, unos ecos atmosféricos y un piano al llegar al puente de la canción. Es una de las canciones que no debes dedicar a quien acabas de conocer. Una historia de amor según cuenta el concepto del álbum. En la letra (Mylo Xyloto) le dice (a la Princesa de China) que estarán juntos contra el mundo mientras el caos gira alrededor y se levantarán antes de que los problemas los erosionen como la lluvia.
Una de las canciones más bonitas de la banda. Lugar 6.
5. True Love del Ghost Stories (2014)
Muchas personas la criticaron por llegar a la sobreproducción. Otras la amaron, y a otras más les da igual. True Love es una de las tantas canciones con las que Chris Martin se desahogó por su divorcio de Gwyneth Paltrow. Musicalmente cuenta con una sección de cuerdas a lo largo de la canción. Ese sonido que emerge cuando estiras las cuerdas del violín es la base, sobre la que se montan, hacia el puente de la canción, los aullidos de la guitarra de Johnny, y la base de percusiones que Timbaland hizo el favor de agregar. Contiene demasiados elementos en su composición, una letra sangrante y los falsetes de Chris Martin. Contiene multiples influencias de OneRepublic y su primer álbum, Dreaming Out Loud por todas partes. Si la voz de Chris y la guitarra de Johnny no estuvieran ahí, sería Apologize. Todo es tu culpa, Timbaland.
A partir de aquí empiezan los pesos pesados. Lugar 5.
4. Midnight del Ghost Stories (2014)
-Oye Jon, ¿de casualidad tienes algún sample por ahí, ya sabes, para componer una canción bien chingona?
-Si mi güero. Tengo una que me dio flojera terminar. Deja y la busco. Se llama... ¿cómo se llama?... Amphora.
-Sale, ahorita le hacemos algo para que suene chido.
Chris Martin hablando con Jon Hopkins en el 2013.
Básicamente esa es la historia de cómo es que surgió esta canción. Una de las composiciones más complejas de la historia de la banda. Jon Hopkins ha trabajado con la banda desde antes del 2007, e incluso sobre una de sus canciones se crearon Life in Technicolor, Life in Technicolor II y The Escapist. En esta ocasión, la voz de Chris Martin está completamente trabajada con Auto Tune. Es bastante nocturna y una de las más difíciles de digerir de la banda. Emplearon en el estudio nuevos instrumentos, como el arpa láser, una especie de arpa sin cuerdas, reemplazadas por haces de luz que suenan al interrumpir el flujo de luz, pero haciéndolo sonar con algún software. La letra es bastante simple: estar a miles de kilómetros de casa, en completa oscuridad y con todas las esperanzas muertas.
Se la montaron en grande, aunque muchos la critican por abusar del artificio y lo electrónico. La versión en vivo en el Royal Albert Hall contiene un poco de percusión y suena aún más movida que la versión de estudio. El sample de Midnight últimamamente reemplaza al órgano eclesiástico cuando interpretan Fix You en vivo.
Es todo un rolón. Lugar 4.
3. Ghost Story del A Sky Full of Star EP (2014)
Podríamos pensar, por el EP donde se encuentra, que sería una canción electrónica, totalmente dance, o una especie de remix, pero nos encontramos con la canción menos artificial de esta era, particularmente breve, de Coldplay. Si hacemos comparaciones, ésta sería una nueva versión de Spies, o un sencillo y hermoso regreso a sus inicios, pues pareceria una canción de aquel primer glorioso álbum. La canción inicialmente empieza con unos cascabeles, Chris cantando y tocando su guitarra acústica, a la que posteriormente se le une Guy, Johnny y la batería de Will. Los pocos toques electrónicos se encuentran al fondo, tenues y flotantes alrededor de la canción. Johnny nuevamente se la rifa con sus riffs a lo largo de la canción, especialmente en la última parte, después de creer que todo se diluye y la canción termina. Un final digno de levantarse y aplaudir como imbécil si se escucha con los audífonos. No apta para xylobrites. Nuevamente, la mejor canción atemporal de la banda en la opinión de los encuestados.
Tráiganme leche y galletas, que esto está muy bueno. Lugar 3.
2. All I Can Think About is You del Kaleidoscope EP (2017)
Después de la gran decepción de la mayor parte de los fans viejos, no tanto así de los xylobrites, y el despelote causado por su colaboración con The Chainsmokers, y con todas las esperanzas en una buena canción muertas, llegó inesperadamente esta canción, que inicialmente es bastante tranquila, pero si hacemos analogías, se hace más fuerte y digievoluciona en algo totalmente súbito. Lo glorioso, lo que llevábamos años esperando que viniera de alguna parte, lo que esperábamos que ocurriera si a Chris Martin no le fallaban las conexiones neuronales. Musicalmente es una especie de remasterización de la base de piano de Atlas, con un calmado intro de guitarra y batería al estilo elegante de High Speed, con lo glorioso del piano de Amsterdam, algunos riffs escuchados en el Ghost Stories, y toda la energía de antaño al llegar al bridge de la canción, donde Johnny hace su mejor actuación desde que Noel Gallagher se la robara en el riff de la mitad de la canción en Up&Up. Es el clímax del EP que vino a esperanzarnos después del desastre en A Head Full of Dreams.
Un antecedente curioso lo tenemos en el cuarto álbum. Chinese Sleep Chant y sus influencias shoegaze reaparecen de manera repentina. Bravíssimo. Lugar 2.
Menciones honoríficas
Always in My Head, por su brillante inicio, empleando el dream pop, los excelentes arreglos de guitarra y los coros angelicales al fondo, siendo el mejor inicio de álbum desde el 2008. Si yo hubiera elegido las canciones, ésta estaría en el lugar 9.
Amazing Day, para darle un poco de crédito al séptimo álbum, pues es la mejor canción de ese álbum, y tener elementos a destacar, como los riffs, su reminiscencia sonora más que obvia a la canción de arriba, pero más esperanzadora y menos triste, dandote la sensación de que extrañarás algo.
U.F.O., una de las más votadas por los chicos. Cortita, totalmente acústica y sin ediciones de voz. Al final contiene un interludio, que en realidad es Takk... de Sigur Rós, que da paso a la siguiente canción, la que no debe ser nombrada.
Up&Up que, a pesar de llegar a la sobreproducción, contiene un riff (ya lo dije arriba) compuesto por Noel Gallagher, por lo que la parte media da una cierta reminiscencia a Oasis, y un coro góspel. Es la canción que da cierre al séptimo álbum y le tengo un poco de afecto, pues con ella se despidieron de México el 17 de Abril del 2016.
1. Moving to Mars del Every Teardrop is a Waterfall EP (2011)
La cima de la lista, el punto clímax, la mejor canción desde el 2008. No debería estar aquí, sino en A Rush of Blood to the Head. Una de las mejores canciones de la banda fue relegada a un EP, al igual que ocurriera anteriormente con una veintena de canciones de la primera era. Musicalmente podría ser una continuación de Gravity, dado el sonido, empezando con un piano triste y desolado, evolucionando posteriormente en una canción del tamaño de Warning Sign y A Rush of Blood to the Head, especialmente de ésta primera, y un final digno de parecerse al de Politik. La canción, debido a su temática, es hermana de A.L.I.E.N.S.. Está inspirada en un documental sobre dos familias de Birmania, obligadas a mudarse a Reino Unido.
Al parecer, según Johnny, la canción es hermosa, intima al inicio y un trabajo hermoso. Fue tan bellamente trabajada que, al hacer la lista de canciones del álbum, ésta no encajaba con la historia y no sabían en dónde ponerla.
Supuestamente el líder de The Kooks habló con Chris, quien dijo estar decepcionado de que la canción quedó fuera del álbum.
Sea como fuere y quedase donde quedase, no recibió el reconocimiento esperado del público y quedó como uno de los mejores B-sides de la historia de Coldplay. Lugar 1.
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